Comisión de Arte “Llamada a la acción” 2017-2019
El programa de encargo artístico Call to Action fue creado por Arte+Feminismo en 2017.
A través de esta iniciativa se comisionan obras de arte digital que son publicadas bajo licencia Creative Commons. De esta forma la comunidad de Art+Feminism puede utilizar estos recursos para promocionar las editatonas. Nuestro objetivo es destacar el trabajo de artistas actuales y ampliar el conjunto de imágenes disponibles que representan a nuestro proyecto.
2019
Ashkaamne (herencia matrilineal) (2019) de Wendy Red Star representa a la artista y su hija, Beatrice Red Star Fletcher, recostadas con camisas y mantas a rayas a juego, con las palabras “Apsáalooke feminista” repetidas en el fondo. La herencia de los apsáalooke se basa en la descendencia matrilineal, trazando la filiación junto con la línea materno-filial; la imagen representa un linaje, el empoderamiento femenino y la siguiente generación.
Sobre la artista
Criada en la reserva Apsáalooke (Crow) de Montana, Wendy Red Star trabaja en distintas disciplinas para explorar las intersecciones entre las ideologías de los nativos americanos y las estructuras colonialistas. Ávida investigadora de archivos y relatos históricos, Red Star trata de incorporar y reelaborar su investigación, ofreciendo perspectivas nuevas e inesperadas, además de crear un foro para la expresión de las voces de las mujeres nativas en el arte contemporáneo. Red Star es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Estatal de Montana, Bozeman, y tiene un máster en Bellas Artes por la Universidad de California, Los Ángeles. Ha expuesto a nivel nacional e internacional, en lugares como el Hood Museum of Art del Dartmouth College, Hanover; el Metropolitan Museum of Art, Nueva York; y la Fondation Cartier pour l’art contemporain, París. Red Star ha recibido un premio Louis Comfort Tiffany 2017 y una beca de investigación para artistas del Smithsonian 2018. Ha dado numerosas conferencias, en instituciones como el Centro Banff; la Galería Nacional de Victoria, Melbourne; la Universidad de Yale, New Haven; y el Instituto de las Artes de California, Valencia. El Newark Museum acogerá la primera exposición de Red Star a finales de este año. Vive y trabaja en Portland, Oregón
2018
Rage/Sorrow (2018) de Tuesday Smillie es un GIF animado. El texto “RAGE” aparece en grande, llenando el formato cuadrado de izquierda a derecha. “RAGE” es rápidamente oscurecido por una cascada de rectángulos y el texto, “SORROW”, repetido en una fuente más pequeña. Rage/Sorrow, una obra nacida en el ámbito digital, sugiere el papel de la tecnología y de Internet a la hora de alimentar y exacerbar las divisiones sociales preexistentes. El bucle interminable del GIF imita un ciclo de ira y angustia producido por el flujo constante de noticias horripilantes.
Sobre la artista
En el centro de la obra de Tuesday Smillie hay una pregunta sobre el individuo y el grupo: el binario de la inclusión y la exclusión y la membrana porosa entre ambos. Smillie es licenciada en Bellas Artes por el Oregon College of Art and Craft. Recientemente, ha expuesto en Artist Space, Nueva York; New Museum, Nueva York; Participant Inc, Nueva York; el Rubin Museum of Art; y el Rose Art Museum de la Universidad de Brandeis, Waltham. Smillie ha recibido una beca para artistas en 2014 de Art Matters, Nueva York, y el premio Ruth Ann y Nathan Perlmutter Artist-in-Residence Award 2018-19 del Rose Art Museum. En 2014, fue nombrada la primera artista residente del Museum of Transgender Hirstory and Art. Su obra ha aparecido en Artforum, el Boston Globe y New York Magazine, y ha dado conferencias en la Universidad de Cornell, en Ithaca, y en el Whitney Museum of American Art, en Nueva York. Smillie vive y trabaja en Nueva York.
2017
Divya Mehra fue seleccionada para la comisión inaugural. La práctica de Mehra, basada en la investigación, explora las identidades diaspóricas, la racialización, la alteridad y la construcción de la diversidad. Dangerous Women (Blaze of Glory), 2017, representa un bidón con la palabra “edit” estampada en la cara del contenedor. Con un sentido del humor seco y perturbador, la obra sugiere una fuente de energía sin explotar y la necesidad de un cambio revigorizante.
Sobre la artista Divya Mehra, que trabaja en escultura, grabado, dibujo, libros de artista, instalación, publicidad, vídeo y, más recientemente, cine, es conocida por su meticulosa atención a la interacción entre forma, medio y lugar. Con un tono ácido, aborda los efectos a largo plazo de la colonización y el racismo institucional. Re-contextualizando referencias encontradas en el hip hop, la literatura y la actualidad, se enfrenta a las expresiones contemporáneas de las sociedades (India, América, Canadá) continuamente formadas por sus raíces coloniales. La obra de Mehra ha sido incluida en numerosas exposiciones y proyecciones, especialmente en Creative Time, MoMA PS1, MTV y The Queens Museum of Art (Nueva York), MASS MoCA (North Adams), Artspeak (Vancouver), The Images Festival (Toronto), The Beijing 798 Biennale (Pekín), Bielefelder Kunstverein (Bielefeld) y Latitude 28 (Delhi). Mehra tiene un máster de la Universidad de Columbia y está representada en Toronto por Georgia Scherman Projects. Actualmente divide su tiempo entre Winnipeg, Delhi y Nueva York.