Commission d’Art: Appel à l’Action 2017-2019

Le programme de commande d’art Call to Action a été créé par Art+Féminisme en 2017.

Les artistes sont sélectionnés pour créer une œuvre d’art sous licence Creative Commons que les organisateur.trice.s d’un marathon d’édition peuvent utiliser pour promouvoir leurs événements. Notre objectif est à la fois de mettre en valeur le travail d’artistes contemporain.e.s et d’élargir le corpus d’images disponibles qui représentent le projet.

2019

Ashkaamne (héritage matrilinéaire) (2019) de Wendy Red Star représente l’artiste et sa fille, Béatrice  Red Star Fletcher, allongées dans des chemises et des couvertures à rayures assorties, avec les mots « Apsáalooke feminist » répétés en arrière-plan. L’héritage d’Apsáalooke est basé sur la descendance matrilinéaire, traçant l’affiliation ainsi que la ligne de mère à fille ; l’image représente une lignée, l’autonomisation des femmes et la génération suivante.

À propos de l’artiste

Élevée dans la réserve d’Apsáalooke (Crow) dans le Montana, Wendy Red Star travaille dans plusieurs disciplines pour explorer les intersections entre les idéologies amérindiennes et les structures colonialistes. Passionnée par les archives et les récits historiques, Red Star cherche à intégrer et à reformuler ses recherches, en offrant des perspectives nouvelles et inattendues, tout en créant un forum pour l’expression des voix des femmes autochtones dans l’art contemporain. Red Star est titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts de l’Université de l’État du Montana, Bozeman, et d’une maîtrise en beaux-arts de l’Université de Californie, Los Angeles. Elle a exposé au niveau national et international, notamment au Hood Museum of Art du Dartmouth College de Hanovre, au Metropolitan Museum of Art de New York et à la Fondation Cartier pour l’art contemporain à Paris. Red Star a reçu le prix Louis Comfort Tiffany en 2017 et une bourse de recherche Smithsonian Artist en 2018. Elle a donné de nombreuses conférences, notamment au Banff Centre, à la National Gallery of Victoria, à Melbourne, à l’université de Yale, à New Haven, et au California Institute of the Arts, à Valence. Le musée de Newark accueillera la première exposition de Red Star sur l’étude des carrières plus tard dans l’année. Elle vit et travaille à Portland, dans l’Oregon.

2018

Rage/Sorrow (2018) de Tuesday Smillie est un GIF animé. Le texte « RAGE » apparaît en grand, remplissant le format carré de gauche à droite. « RAGE » est rapidement masqué par une cascade de rectangles et le texte, « SORROW », répété dans une police plus petite. Rage/Sorrow, une œuvre née sous forme numérique, suggère le rôle de la technologie et de l’internet dans le maintien et l’exacerbation des divisions sociales préexistantes. La boucle sans fin du GIF imite un cycle de colère et d’angoisse produit par le flux constant de nouvelles horribles.

À propos de l’artiste

Au cœur du travail de Tuesday Smillie se trouve une question sur l’individu et le groupe : le binaire de l’inclusion et de l’exclusion et la membrane poreuse entre les deux. Smillie est titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts de l’Oregon College of Art and Craft. Elle a récemment exposé à Artist Space, New York ; au New Museum, New York ; à Participant Inc, New York ; au Rubin Museum of Art ; et au Rose Art Museum de l’université Brandeis, Waltham. Smillie est lauréate d’une bourse d’artiste 2014 d’Art Matters, New York, et du prix Ruth Ann et Nathan Perlmutter 2018-19 d’artiste en résidence du Rose Art Museum. En 2014, elle a été nommée première artiste résidente par le Museum of Transgender Hirstory and Art. Son travail a été présenté dans Artforum, le Boston Globe et le New York Magazine, et elle a donné des conférences à l’université Cornell, à Ithaca et au Whitney Museum of American Art, New York. Smillie vit et travaille à New York.

2017

Divya Mehra a été sélectionnée pour la commission inaugurale. La pratique artistique de Divya Mehra, alimentée par la recherche, explore les identités diasporiques, la racialisation, l’altérité et la construction de la diversité. Dangerous Women (Blaze of Glory), 2017 dépeint un jerrican avec le mot « edit » inscrit sur la face du récipient. Avec un sens de l’humour sec et dérangeant, l’œuvre suggère une source d’énergie inexploitée et la nécessité de revigorer le changement.

À propos de l’artiste Travaillant dans la sculpture, la gravure, le dessin, les livres d’artiste, l’installation, la publicité, la vidéo et, plus récemment, le cinéma, Divya Mehra est connue pour son attention méticuleuse à l’interaction de la forme, du médium et du site. Sur un ton acerbe, elle aborde les effets à long terme de la colonisation et du racisme institutionnel. Récontextualisant les références trouvées dans le hip hop, la littérature et l’actualité, elle se confronte aux expressions contemporaines des sociétés (Inde, Amérique, Canada) continuellement formées par leurs racines coloniales. Le travail de Mehra a été inclus dans un certain nombre d’expositions et de projections, notamment avec Creative Time, MoMA PS1, MTV, et le Queens Museum of Art (New York), MASS MoCA (North Adams), Artspeak (Vancouver), The Images Festival (Toronto), The Beijing 798 Biennale (Beijing), Bielefelder Kunstverein (Bielefeld), et Latitude 28 (Delhi). Mehra est titulaire d’un MFA de l’Université de Columbia et est représentée à Toronto par Georgia Scherman Projects. Elle partage actuellement son temps entre Winnipeg, Delhi et New York.